Avec ANOP, Andri Oppliger développe des vêtements qui ne pensent pas en rayons hommes et femmes. Ses collections ne naissent pas seulement à l’atelier, mais dans des workshops avec des personnes qui parlent de corps, de confort, de visibilité et de vie nocturne. Oppliger a étudié le design de mode à Genève et relie aujourd’hui son travail à l’architecture: chez lui, le vêtement devient un espace que les gens contribuent eux-mêmes à façonner.
Dans cette interview, il parle de coupes non genrées, de peau visible, de culture club queer et de la question de savoir à quel point la mode a le droit d’être idéaliste si elle doit, au final, rester abordable.
Interview: Maurice Müller
Andri, si tu devais expliquer ANOP à quelqu’un qui est en train d’essayer ta nouvelle collection: que dirais-tu?
ANOP est une marque pop-up qui essaie d’aborder autrement différents problèmes de l’industrie de la mode. Le contenu de chaque collection naît dans des workshops. Je veux ainsi briser la hiérarchie classique d’une marque de mode: ce n’est pas une équipe de design qui décide seule, mais de nombreuses personnes différentes qui participent au processus avec leurs besoins et leurs perspectives.
En même temps, toutes les pièces sont produites de manière durable et éthique. Il n’y a pas de séparation entre vêtements pour hommes et pour femmes. À la place, je développe des coupes pour différentes morphologies. Le prix de vente dépend lui aussi du revenu des acheteur·euses: la collection doit être accessible aux personnes ayant des moyens financiers différents, sans compromis sur la qualité ou sur une production équitable.
Pourquoi était-ce important pour toi d’impliquer aussi fortement d’autres personnes dans le processus de design?
Cela a sûrement à voir avec mon parcours. J’ai terminé en 2019 mon bachelor en design de mode à la HEAD Genève. Plus tard s’y est ajoutée l’architecture à l’ETH Zurich, où je termine bientôt mon master.
Ces deux mondes – le corps et l’espace – ont beaucoup de points de contact. Dans les études de design de mode, la signature personnelle était souvent au centre: les designers comme auteur·es. En architecture, la collaboration va beaucoup plus de soi. Dans les grands projets, les riverain·es sont par exemple associé·es via des workshops, parce que ce sont elles et eux qui utiliseront ces lieux plus tard.
Dans la mode, je vois cette approche bottom-up beaucoup plus rarement. Alors qu’elle fait justement sens ici. Il existe déjà d’innombrables marques et vêtements. La question se pose donc: de quoi avons-nous encore besoin? Plutôt que d’espérer que les gens aiment un design, je trouve plus passionnant de leur demander directement ce qu’ils souhaitent – et de développer ensemble des vêtements à partir de là.
Comment se déroule concrètement un tel processus de design participatif?
Les participant·es apportent un vêtement préféré au premier workshop. C’est le point de départ. Ainsi, ils et elles restent plus proches de leurs propres besoins et se perdent moins dans des idées spectaculaires. Leurs observations sont notées sur des fiches de travail, pour que je puisse encore travailler avec ce matériel par la suite.
Chacun·e développe d’abord de premières idées individuellement, puis en groupe. Ces croquis et descriptions forment la base de la collection. Je les traduis ensuite en prototypes tridimensionnels, puis j’en développe des vêtements fonctionnels.
Au workshop suivant, les prototypes sont essayés. Les participant·es répondent à de nombreuses questions par écrit, pour éviter que certaines voix dominent. Ensuite, nous discutons ensemble. Ce processus peut se répéter sur plusieurs tours – avec les mêmes personnes ou de nouvelles –, jusqu’à ce que les ébauches soient suffisamment abouties pour que je puisse arrêter la collection finale.
Tu travailles à l’interface entre mode et architecture. Est-ce que ce sont pour toi deux mondes séparés?
Il y a bien sûr de grandes différences. Ne serait-ce qu’au niveau du rythme. Certaines marques de fast fashion sortent parfois de nouvelles collections toutes les deux semaines, tandis que les projets de construction durent souvent plusieurs années.
Ce qui est surprenant, c’est qu’on conçoit dans les deux disciplines beaucoup moins qu’on ne le pense. Une grande partie du travail consiste en communication, organisation, coordination et mise en œuvre.
Pendant mes études de mode, j’ai pris conscience à quel point l’industrie de la mode pèse sur le climat, l’environnement et le monde animal. Pendant mes études d’architecture, j’ai ensuite réalisé que le secteur de la construction pense encore dans de tout autres dimensions. Dans les deux domaines, les défis sont immenses. Je trouve passionnant d’apprendre de ces deux mondes et d’en faire naître quelque chose de nouveau.
Qu’as-tu appris des workshops menés jusqu’ici?
Je suis encore en train de découvrir comment ces workshops fonctionnent le mieux. Trop de participant·es, par exemple, ce n’est pas idéal. On discute alors beaucoup entre soi, je ne perçois pas tout, et certaines perceptions s’influencent mutuellement. Un workshop le week-end, avec de l’alcool, n’a pas non plus fait ses preuves – beaucoup sont alors plutôt en mode fête.
Ce qui était passionnant, c’est de voir à quelle fréquence le vêtement adaptatif est revenu comme sujet. Beaucoup souhaitaient des pièces dont la taille peut se modifier, dont certaines parties sont amovibles ou qui offrent différentes fermetures et des poches cachées. J’en ai intégré une partie dans la collection actuelle. En même temps, une chose devient vite claire: plus un vêtement est complexe, plus sa production devient exigeante et coûteuse.
Pour beaucoup de participant·es, les workshops ont aussi été une sensibilisation. Qu’est-ce que cela signifie, au fond, de designer un vêtement? Pourquoi une longueur de manche semble-t-elle juste? Pourquoi un tissu moulant est-il agréable pour les un·es et pas pour les autres? J’ai trouvé beau de voir comment le regard de certain·es participant·es a évolué. Une personne était présente à chaque workshop – et à chaque fois, son avis devenait plus précis, plus assuré et mieux argumenté. Soudain, quelqu’un regarde les vêtements de manière très consciente et sait formuler ses propres besoins bien plus clairement.
ANOP crée des vêtements non genrés. Que signifie «genderneutral» pour toi – au-delà de l’oversize et des couleurs neutres?
L’un de mes jobs d’étudiant était dans un magasin de vêtements. J’y ai remarqué qu’un pantalon du rayon hommes allait mieux à certain·es client·es perçu·es comme féminines – et inversement. Souvent, un L femme est presque de la même taille qu’un S homme. Je me suis alors demandé: pourquoi classons-nous les vêtements de manière aussi systématique entre hommes et femmes?
Bien sûr, certaines pièces demandent des coupes plus spécifiques, par exemple les sous-vêtements. Mais pour beaucoup d’autres, je n’en vois pas la raison.
J’essaie donc de développer des coupes qui fonctionnent pour un maximum de morphologies. Pour les pantalons, il existe par exemple des variantes droites et d’autres plus ajustées aux courbes. Pour les hauts, une matière élastique permet qu’ils fonctionnent sur des corps avec ou sans poitrine.
Tes vêtements sont pensés pour les raves, les fêtes et la vie nocturne. Pourquoi cet espace-là t’intéresse-t-il?
Le résultat final n’est pas orienté si radicalement vie nocturne. Mais j’ai l’impression qu’en Suisse, beaucoup de gens s’habillent plutôt classique au quotidien – jeans et t-shirt. La vie nocturne est l’un des rares espaces où beaucoup sont prêt·es à expérimenter avec les vêtements.
Cette idée marque aussi les workshops. Les participant·es doivent, l’espace d’un moment, se détacher des normes du quotidien et penser plus librement. Même si les designs finis sont souvent étonnamment sobres au final, le contexte «sortie» ouvre davantage de possibilités.
Une autre raison est qu’ANOP se conçoit comme de la slow fashion. La marque ne suit pas de rythme saisonnier classique. Des vêtements pour danser fonctionnent toute l’année et dépendent moins des saisons.
Dans tes créations, il est beaucoup question de transparence, de peau et de cut-outs. Comment trouve-t-on l’équilibre entre se montrer et se protéger?
C’était le grand thème de cette collection. Dès le premier workshop, la discussion a été intense, parce que les avis divergeaient fortement. Rien que la question de savoir quand des tétons visibles sont socialement acceptés et quand ils ne le sont pas dépend fortement de la manière dont un corps est lu.
Pour moi, l’essentiel est de se sentir bien dans un vêtement. Cela ne sert à rien qu’ANOP produise de la manière la plus éthique et écologique possible si les gens n’osent pas porter ces vêtements.
Je porte moi-même souvent des prototypes issus du processus de design pour aller danser. J’ai remarqué que ce sont les couches qui fonctionnent le mieux pour moi. À chaque couche qu’on enlève, davantage de peau devient visible. Je peux ainsi décider moi-même, selon la situation ou mon ressenti, de combien je veux montrer. En même temps, c’est très individuel et cela dépend fortement du rapport à son propre corps.
La culture queer joue-t-elle un rôle chez ANOP?
Oui, bien sûr. Beaucoup de personnes impliquées dans ANOP font partie de la communauté queer. En même temps, je ne trouve pas la question si simple à répondre. Chez des participant·es hétérosexuel·les, lu·es comme masculins ou féminines, j’ai aussi rencontré une grande ouverture et une compréhension de la mode très naturelle et plus genderfluid.
Je pense malgré tout que la scène club et la vie nocturne ont été – et sont toujours – fortement marquées par la culture queer: par de nouveaux styles, par l’envie d’essayer et par un rapport plus libre à l’identité et aux vêtements. Avec le temps, beaucoup de ces impulsions trouvent aussi leur chemin vers la société au sens large.
Ta collection a été soutenue par la Berner Design Stiftung, tu as pu exposer au Kornhausforum et tu étais présent au Löwenbräukunst avec FUSE. Et la suite?
L’hiver prochain, je terminerai, je l’espère, mon master en architecture à l’ETH. Ensuite, beaucoup de choses restent ouvertes.
Je suis curieux de voir comment la collection actuelle sera accueillie et quels retours en découleront. La suite d’ANOP en dépendra sûrement: la possibilité de financer un nouveau projet, ou une commercialisation plus poussée de la marque, c’est-à-dire produire en plus grandes quantités pour faire baisser les prix à long terme.
La première collection était avant tout, pour moi, une phase d’expérimentation. Avec la deuxième, j’ai de nouveau énormément appris – aussi sur la place que je vois pour ANOP sur le marché. En même temps, il arrive un moment où le projet doit être financièrement viable. Pour moi, le défi consiste à concilier mes idéaux sur la manière dont la mode pourrait fonctionner avec la réalité.
Portrait
Andri Oppliger vient de Bützberg, dans le canton de Berne. Il a étudié le design de mode à la HEAD Genève et termine actuellement son master en architecture à l’ETH Zurich. Avec ANOP, il développe un label pop-up de mode responsable et participative. Les collections naissent dans des workshops et comprennent des vêtements non genrés dans différentes coupes. La collection actuelle a été soutenue par la Berner Design Stiftung; Oppliger a exposé au Kornhausforum et était représenté au Löwenbräukunst avec FUSE.
Traduit de l’allemand – article paru sur display-magazin.ch.
